Design – DAILY LUXURY

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Triennale Milano: il design è online

15 Gennaio 2021

In attesa che mostre e rassegne aprano nuovamente al pubblico il mondo dell’arte e della cultura non si ferma. Ne è esempio Triennale Milano e il suo Museo del Design Italiano che offre la possibilità di vivere un’esperienza davvero speciale. La mostra “Enzo Mari curated by Hans Ulrich Obrist with Francesca Giacomelli”, dedicata uno dei più grandi maestri del design del ‘900 e il Museo del Design Italiano saranno fruibili per la prima volta su Google Arts & Culture. Street view navigabili, approfondimenti su opere e autori, testi, fotografie e materiali dagli archivi permetteranno una esperienza immersiva della proposta espositiva e dei contenuti di Triennale Milano.

Enzo Mari

Enzo Mari: il suo nome è familiare a chi è avvezzo all’universo del design. Ma le sue creazioni più celebri appartengono al quotidiano di tutti. È infatti tra più grandi designer italiani del Novecento e la sua carriera si è contraddistinta non solo per le sue opere ma anche per la sua attività di teorico: fin dagli anni ’50 partecipa attivamente ai movimenti di avanguardia, approfondendo riflessioni e dando vita a una personalissima teoria-filosofia del design con lo scopo di indagarne dall’interno le dinamiche formali, estetiche, funzionali e processuali. Tanto da diventare un punto di riferimento imprescindibile per tutti i creativi, come testimonia questa frase di un altro maestro del design italiano, Alessandro Mendini: “Mari non è un designer, se non ci fossero i suoi oggetti mi importerebbe poco. Mari invece è la coscienza di tutti noi, è la coscienza dei designers, questo importa”. Nella sua lunga attività, Mari ha realizzato opere straordinarie – in carta, legno, vetro, ceramica, ferro, acciaio – che, muovendosi senza obblighi tra arte, design, architettura e grafica, oggi abitano collezioni, musei, spazi domestici diffusi in tutto il pianeta. La profondità del suo lavoro, il suo scavo nella sostanza del mondo, sono un contrappunto all’ironia e allo sdegno verso quella superficiale mediocrità che ha nelle sfere della progettazione e della critica. “Non stupisce dunque – come ricorda Stefano Boeri, Presidente di Triennale Milano – che in un’intervista del 2016 (Enzo Mari: i miei archivi per Milano) Mari abbia dichiarato la ferma volontà di donare l’intera collezione delle sue opere alla città di Milano, a condizione che per quarant’anni nessuno possa avere accesso al suo Archivio. Questo perchè, secondo le sue più ottimistiche ipotesi, solo tra quarant’anni una nuova generazione, “non degradata come quella odierna”, potrà farne un uso consapevole e riprendere così in mano il significato profondo delle cose”.

Hans Ulrich Obrist

Francesca Giacomelli

Oggi la Triennale Milano con il suo Museo del Design Italiano presenta la mostra “Enzo Mari” curata da Hans Ulrich Obrist con Francesca Giacomelli, dedicata al lavoro e al pensiero del progettista, artista, critico e teorico cui rende omaggio attraverso progetti, modelli, disegni e materiali spesso inediti, provenienti dall’Archivio Mari recentemente donato al CASVA – Centro di Alti Studi sulle Arti Visive del Comune di Milano. Una retrospettiva quindi che si rivela un’occasione unica per approfondire la sua lunga carriera avvalendosi di nuovi spunti interpretativi e nuove chiavi di lettura. Nasce infatti, dal costante scambio e dialogo intercorsi negli anni tra Mari stesso e il curatore Hans Ulrich Obrist, e racconta oltre 60 anni di attività progettuale, dall’arte al design, dall’architettura alla filosofia, dalla didattica alla grafica del maestro. Il progetto espositivo è articolato in una sezione storica, a cura di Francesca Giacomelli, e in una serie di contributi di artisti e progettisti internazionali – Adelita Husni-Bey, Tacita Dean, Dominique Gonzalez-Foerster, Mimmo Jodice, Dozie Kanu, Adrian Paci, Barbara Stauffacher Solomon, Rirkrit Tiravanija, Danh Vo e Nanda Vigo, oltre a Virgil Abloh per il progetto di merchandising – invitati a rendere omaggio a Mari attraverso installazioni site-specific e nuovi lavori appositamente commissionati. Un contributo particolare, quello di Nanda Vigo che nell’opera inedita, ideata per la mostra, prima della sua scomparsa, reinterpreta con la luce due dei lavori più celebri di Mari, i 16 animali e i 16 pesci. La sezione storica si sviluppa a partire dal riallestimento dell’ultimo progetto espositivo dell’autore, Enzo Mari. L’arte del design, tenutosi alla GAM, Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino nel 2008-2009, di cui Mari stesso aveva seguito la curatela, l’allestimento e il catalogo (un progetto globale).

La mostra presenta un corpus che raccoglie una selezione di circa 250 progetti di Mari – dalle Pitture degli anni Cinquanta alle Strutture degli anni Cinquanta e Sessanta (Arte programmata), dalla serie di contenitori Putrella (1958) ai multipli d’arte de La Serie della Natura (1961-1976), dai vasi delle Nuove proposte per la lavorazione a mano del marmo. Serie Paros (1964) agli Allestimenti modulari di cartone (1964-1970), dal progetto per la Copertina della Collana Universale Scientifica Boringhieri (1965) alla sedia Box (1971), dall’Autoprogettazione (1973) alle ciotole della Proposte per la lavorazione a mano della porcellana. Serie Samos (1973), dalle 44 valutazioni (1976-2008) alla sedia Tonietta (1980), dai progetti non realizzati Tre piazze del Duomo (1982) all’Allegoria della dignità (1988), dalle Lezioni di disegno (2007- 2008) fino al progetto Per un Nuovo Museo del design per la rivista “Abitare” (2009-2010) – considerati tra i più rappresentativi dei quasi 2.000 ideati nel corso della sua carriera. In parallelo, diciannove Piattaforme di Ricerca, ideate per la mostra, presentano approfondimenti su altrettanti progetti dai quali emergono le tematiche centrali nella pratica e nella poetica di Mari: le prime indagini sulle ambiguità percettive, le ricerche sulla produzione sperimentale, le ricerche sulla produzione di serie, il tema dello standard, e tanto altro ancora. Negli approfondimenti è inclusa una selezione delle Allegorie – tra queste la prima Modulo 856 (1967), l’esercizio critico di progetto Proposta per un’autoprogettazione (1974), Perché una mostra di falci? (1986), l’ultima realizzata dall’autore Sessanta fermacarte (2010) – e degli ultimi progetti realizzati da Mari negli anni successivi alla mostra antologica di Torino, tra i quali lo scenografico progetto di allestimento dell’esposizione Vodun, African Voodoo (2011) disegnato per la Fondation Cartier pour l’Art Contemporain di Parigi nel 2010, di cui è riproposto un ambiente dai potenti rimandi formali alle strutture dei modelli che costituiscono la Proposta per un’autoprogettazione del 1974. Completa il percorso una serie di video interviste realizzate da Hans Ulrich Obrist che testimoniano la costante tensione etica di Mari, la sua profondità teorica e la straordinaria capacità progettuale di dare forma all’essenziale.

Enzo Mari

curated by Hans Ulrich Obrist with Francesca Giacomelli
Milano, Triennale Milano, fino al 18 aprile 2021
Info: Tel. 02.724341 • www.triennale.org

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Design in alta quota

29 Dicembre 2020

Appassionati di design, segnate subito in agenda quelle date. Dal 25 al 28 febbraio 2021, ai piedi e in vetta al Monte Bianco, torna per il secondo anno consecutivo la Courmayeur Design Week-end. Quattro giorni interamente dedicati al design e all’architettura, ideata dall’architetto Paola Silva Coronel e organizzata in collaborazione con Courmayeur Mont Blanc, con il patrocinio di ADI, Associazione per il Disegno Industriale.

Tanti i contenuti e le novità in serbo per questa seconda edizione della Design Week-End. Oggetti di design invaderanno le vie del centro, protagonisti di una mostra diffusa nelle lounge degli hotel e nelle vetrine dei negozi. Alcuni landmark, come la Vanity Fair di Poltrona Frau in formato XXL, connoteranno il paese ai piedi del Monte Bianco trasformandolo in un inedito design district.

Il Museo del Duca degli Abruzzi, dedicato alla storia dell’alpinismo, ospiterà un allestimento dedicato ai prodotti che negli anni hanno saputo coniugare al meglio sport e design. Non mancherà una mostra “in movimento” realizzata in partnership con Funivie Courmayeur Mont Blanc, che vedrà la personalizzazione di tutte le cabine di Chècrouit con l’immagine di un oggetto cult del design o di un personaggio di rilievo dell’architettura, che sarà poi presente durante la kermesse.

The Monte Bianco Skyway connects the Courmayeur valley with Punta Helbronner (3 462 m) and the southern side of the Mont Blanc massif. The new cable cars are an engineering masterpiece which was opened in the summer of 2015.

Una sorta di libro da sfogliare, in cui ogni cabina diventerà una pagina di questa storia, che la località delle Alpi già da un anno ha deciso di raccontare. Spazio anche ai giovani talenti, cui sarà dedicato un intero percorso espositivo nella storica fabbrica di ramponi e piccozze Grivel. In programma poi, un ricco calendario di talks che vedrà protagonisti architetti, designer e studi di progettazione. Appuntamento più atteso- anche per l’assoluto top secret che vige ancora sul il nome dell’architetto che sarà il protagonista raccogliendo il testimone di Michele De Lucchi, “star” della scorso anno – la conferenza più alta d’Europa organizzata in collaborazione con Skyway Monte Bianco.

View over parts of the Mont Blanc massif, as seen from Courmayeur, Aosta valley, Italy.

Design, paesaggio, cultura del progetto si confermano gli ingredienti di un evento in espansione e già pronto a due prossime trasferte: a Ostuni a fine maggio, e Pietrasanta a settembre.

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Fornasetti, il suo “theatrum” a Parma

3 Novembre 2020

Complesso Monumentale della Pilotta, Saloni ottocenteschi, particolare, Parma

È un vero e proprio viaggio stratificato tra classico e moderno, tra passato e presente, per raccontare la classicità attraverso la lente del design contemporaneo, “Fornasetti Theatrum Mundi”, ospitata all’interno del Complesso Monumentale della Pilotta di Parma e parte di “Rivitalizzazioni del Contemporaneo”, bando ideato in occasione di Parma 2020-21, Capitale Italiana della Cultura. “Fornasetti Theatrum Mundi” mette in dialogo le architetture e le opere della Pilotta con l’immaginario di Piero e Barnaba Fornasetti, creando un vero e proprio “teatro del mondo”, una rete di rimandi iconografici e suggestioni culturali che rivela lo statuto intellettuale degli oggetti esposti e delle immagini in mostra, rendendone visibile lo spessore e regalando universali ed emozionanti implicazioni.

Un vero e proprio “Theatrum” nel significato cinquecentesco, che declina nell’infinita varietà del mondo l’enciclopedica unitarietà del sapere a cui aspirava il classicismo, sia rinascimentale che settecentesco e, grazie alla chiave ludica di Fornasetti, anche contemporaneo. L’esposizione inizia il suo percorso con le 21 vetrine collocate all’interno della Galleria Petitot della Biblioteca Palatina. Ammirata l’infilata della Galleria dell’Incoronata, entra nel cuore del teatro Farnese, capolavoro dell’architettura seicentesca costruito nel Complesso sul modello del teatro classico, la stessa struttura architettonica da cui nasce l’idea del Theatrum Mundi formulata dal retore neoplatonico Giulio Camillo (1480-1544). L’utopia di Camillo collocava all’interno del teatro vitruviano figure e simboli disposti secondo un ordine preciso, con l’idea che questo funzionasse come una sorta di mente artificiale, attribuendo all’immaginazione la facoltà di comprendere, ricostruire e interpretare il mondo.

Questa utopia che esalta l’immaginazione in quanto capacità umana di comprendere, ricostruire e interpretare il mondo, è profondamente affine alla creatività di Fornasetti. Alle radici della sua opera, infatti, c’è un’idea del disegno che prende spunto dall’architettura, che è arte dell’analisi, dell’ordine e della misura. Contemporaneamente, gli oggetti creati dall’Atelier hanno la capacità di trasformare i luoghi in cui si trovano, introducendo nello spazio una dimensione culturale, di pensiero, sogno, immaginazione. Sul fil rouge tracciato da questa affinità e dall’idea che oggetti e immagini non siano cosa morta, ma prodotti culturali e quindi esseri parlanti, la mostra, nata in sinergia tra l’associazione Fornasetti Cult e il Complesso Monumentale della Pilotta, dissemina tra le collezioni della Pilotta centinaia di opere dell’Atelier, accompagnate da brevi testi esplicativi e da citazioni scelte di altri autori che offrono suggestioni e chiavi di lettura.

Complesso Monumentale della Pilotta, Saloni ottocenteschi, particolare, Parma

Il percorso espositivo si articola in nuclei legati ai principali temi dell’opera di Fornasetti: le rovine e l’uso del passato come frammento, l’architettura, la musica, il tema e le variazioni, il disegno, la grafica, il collezionismo, l’oggetto quotidiano e la dimensione illusionistica e onirica. “Fornasetti Theatrum Mundi” dimostra quindi la profondità e l’universalità della rigenerazione contemporanea delle forme del classicismo in un arguto contrappunto tra le invenzioni di Fornasetti e le collezioni e gli spazi di uno dei più importanti musei italiani ed europei.

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Franklin Azzi talento poliedrico

10 Settembre 2020

“Ogni progetto è totalmente differente”, afferma deciso, così come rivendica il fatto di non imprimere un’impronta specifica alle sue creazioni e di essere assolutamente convinto che un bel progetto non si limita al suo aspetto estetico perché “il bello è prima di tutto, legato alla felicità dei suoi utilizzatori”. Parola di Franklin Azzi, architetto parigino, classe 1975, scelto da Maison & Objet, il salone parigino dell’art de vivre, del décor e del design, quale “Designer of the Year” dell’edizione di settembre.

Il perché? È presto detto. È, innanzitutto, un creatore poliedrico e dalle molteplici influenze: dall’architetto Claude Parent all’artista Donald Judd, passando per il pianista Glenn Gould e lo psicanalista Jacques Lacan. Senza dimenticare la sua passione per la letteratura americana e la musica rock. Ed è questa diversità a caratterizzare il suo lavoro d’architetto con creazioni che spaziano dall’urbanistica ai progetti d’architettura d’interni. Conferma ne sia uno dei suoi lavori più emblematici: la pedonalizzazione degli argini sulla Rive Gauche delle Senna, trasformati in una “promenade” di 2,5 km.

La sua agenzia inoltre, fondata nel 2006, fa parte del collettivo Nouvelle AOM (con l’architetto Chartier Dalix e Hardel Le Bihan Architectes) selezionato per rileggere una delle icone del paesaggio parigino, la Tour Montparnasse, e tutto il quartiere che la circonda. Diplomato all’Ecole Spéciale d’Architecture di Parigi, Franklin Azzi è stato fortemente influenzato da uno dei suoi professori, il filosofo Paul Virilio, “È stato un vero punto di svolta. Non solo ha influenzato il modo in cui oggi lavoro ma mi ha anche insegnato a vedere veramente”. Inoltre, ha frequentato la Glasgow School of Art, di cui ha adottato l’approccio pluridisciplinare, “Mi divertivo a passare da un corso di design industriale di automobili a uno di tessuti di moda”, racconta. E questo suo percorso si riflette nel suo lavoro. Evita deliberatamente il famoso “Wow Effect”, ma piuttosto cerca di realizzare opere che resisteranno alla prova del tempo.

immeuble de coworking DESKOPOLITAN à Paris XI

Ad oggi, numerosi suoi progetti riguardano infatti la riabilitazione di strutture già esistenti, quali ad esempio la trasformazione della sede dello smistamento postale di Lille in luogo culturale, la realizzazione dell’Ecole des Beaux Arts di Nantes in un vecchio magazzino e la creazione di Beaupassage-Grenelle, nel 7° arrondissement di Parigi, un insieme di spazi e insegne legati all’art de vivre. E per ciascuno di essi il suo approccio è stato lo stesso: “rispettare il passato celebrando l’avvenire”. Tra le altre sue realizzazioni, figurano poi boutique di moda per Christophe Lemaire, Isabel Marant, Lacoste e il gruppo LVMH, l’Holiday Café a Parigi e una maniglia per porte per il brand italiano PBA. La sua agenzia (che conta uno staff di 50 professionisti) attualmente lavora su importanti progetti tra cui l’hotel Mama Shelter a Dubai, uno stabile polivalente sugli Champs-Elysées, una struttura temporanea che ospiterà un ristorante e un bar sul tetto delle Galeries Lafayette Haussmann e delle boutiques a New York e Shangai per il brand fashion cinese EP Yaying. Conduce regolarmente dei cantieri legati al mondo del lavoro che comprendono stabili destinati a uffici (Workstation e Dock e Seine) e progetti di coworking (Deskopolitan Voltaire, nell’est di Parigi che comprende anche una palestra un asilo, un ristorante, un parrucchiere, un orto sul tetto e un hotel con nove camere).

Un altro elemento essenziale che ne sottolinea la personalità e il talento multisfaccettati, la presenza nel suo luogo di lavoro dell’arte contemporanea, oltre ad accompagnare regolarmente gli artisti nella creazione delle loro opere, come nel caso della scultura monumentale Desire Linea di Tatiana Trouvé collocata al Central Park di New York nel 2005. Inoltre organizza una o due esposizioni all’anno nei suoi uffici mettendo l’accento sulla promozione di giovani artisti o su autori affermati, tra cui Victoire Thierrée, Thomas Mailaender e Sébastien Stumf. “Per me – afferma – è importante sostenerli, hanno la libertà d’interpretare l nostra società e di offrirne una visione al tempo stesso fresca e moderna”. In occasione di Maison & Objet, Franklin Azzi condividerà la sua expertise presentano un’esposizione temporanea dedicata al tema dello spazio di lavoro attraverso le epoche e a tal proposito sottolinea “non vedo come si possa immaginare l’avvenire senza analizzare il passato”. Svelerà quindi la sua visione attraverso una presentazione scenografica e immersiva in grande parte composta di immagini e film, e lo stesso spazio sarà prevalentemente composto da elementi strutturali recuperati dalle precedenti edizioni del salone perché “Non vorrei mai che la nostra installazione dopo il salone finisse dentro degli scatoloni e che abbia consumato del materiale per niente”, spiega.

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Regalarsi una casa da… star

8 Settembre 2020

John Legend e la moglie Chrissy Teigen hanno talento… immobiliare. Tanto che le case della coppia A-List sono ospite fisso di Architectural Digest. Dimore davvero di sogno, da fare autentica invidia, che oggi è possibile “regalarsi” per sentirsi una vera star. La loro casa di Beverly Hills infatti, è in vendita (al prezzo di 23,95 milioni di dollari). Per farvi sognare vi raccontiamo che comprende sette camere da letto e otto bagni, si declina su oltre 8.200 piedi quadrati, e vanta un ingresso con soffitto di 33 piedi, e un scenografica scala ricurva che conduce al secondo piano. Qui troviamo un ampio soggiorno con una parete di vetro dal pavimento al soffitto con vista sul canyon. La cucina è il luogo ideale per un vero chef e si collega a una spaziosa sala. La master suite ha un camino in ottone, cemento e argilla, un balcone con vista panoramica e spogliatoio per lui e per lei con cabine armadio che sono più simili a showroom di moda e “Glam Room” di ispirazione italiana. Tutte e sette le camere sono dotate di bagno privato e dispongono di balcone. Sono inclusi anche una palestra e un immancabile home theater. Le finiture e le decorazioni includono soffitti a motivi mandala provenienti dalla Thailandia, pavimenti in rovere cerato ebanizzato, pareti laminate in argilla e acciaio, lavandini in onice e ripiani in quarzo italiano. All’esterno, una pool terrace con vista sul canyon che dispone di una piscina di acqua salata riscaldata, jacuzzi, barbecue e forno a legna. Il pergolato ombreggiato da viti, infine, è perfetto per cenare all’aperto.

John Legend & Chrissy Teigen’s Stylish Beverly Hills Home!

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Photo Credit: Anthony Barcelo, Courtesy of Douglas Elliman
Source: TopTenRealEstateDeals.com

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Un “baule” per tè e tisane

27 Agosto 2020

Il tè per voi è un vero rito? Oppure già sognate l’arrivo delle sere più fredde per sorseggiare una tisana accoccolati su divano? Abbiamo trovato quello che fare voi. Ludovica Mascheroni, azienda italiana specializzata in arredamento e interior design di lusso, firma Tisaurea, un “baule” pensato per il rito del tè e delle tisane, ovvero un’elegante armadio tisaneria in frassino sbiancato composto da top in marmo Michelangelo con vasca raccogli acqua in acciaio inox, ripiani in legno, dettagli in nabuk, sofisticata carta da parati e led interni, completamente realizzato a mano dagli artigiani dell’azienda e personalizzabile in base alle richieste del cliente.

“Abbiamo voluto creare – spiegano Fabio Mascheroni e Roberta Caglio, fondatori e titolari del brand Ludovica Mascheroni – un elemento d’arredo completamente dedicato al rituale del tè e delle tisane, che possa esaltare non solo la nostra maestria artigiana ma anche celebrare il tempo dedicato al benessere del nostro corpo e della nostra mente. Tisaurea è un invito al godimento del tempo, quello più prezioso, ovvero quello dedicato a noi stessi, un invito a coltivare il bello e il benessere”.

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Room Mate Macarena: design protagonista

30 Luglio 2020

Un autentico gioiello di interiore design. Così il Room Mate Macarena, sesto hotel della catena alberghiera di design Room Mate Hotels, fondata e presieduta da Kike Sarasola, inaugurato a Madrid. Affacciato sul cuore della Gran Vía madrilena (Calle Gran Vía 43), è stato infatti progettato dall’interior designer Tomás Alía.

Situato nell’emblematico edificio di Gutiérrez Soto, al centro della città e in una delle strade più iconiche della capitale, il Room Mate Macarena riunisce l’eccellenza artigianale con tratti contemporanei, l’ispirazione arabeggiante tipica di Tomás Alía con la luce quale elemento essenziale della decorazione. Spicca la reception dell’hotel, uno spazio allestito al nono piano che offre sin dal primo istante una prospettiva unica della Gran Vía, e si completa con le vedute panoramiche delle due splendide terrazze.

Inoltre, è provvisto di piscina, solarium, un cocktail bar e una sala eventi e/o riunioni affacciata sempre sulla Gran Vía. “Sono davvero entusiasta di poter aprire di nuovo a Madrid, dove nel 2000 abbiamo inaugurato la nostra prima struttura ricettiva. È un hotel che per me ha un significato speciale, perché da bambino mio padre mi portava nella barbieria al piano terra e poi ho voluto rendere omaggio alla mia grande amica Macarena Rey, il cui nonno era proprietario delle antiche sale cinematografiche dell’edificio. Da qui la scelta del nome dell’hotel”, ha dichiarato Kike Sarasola, presidente e fondatore di Room Mate Hotels.

Tomás Alía ha invece affermato: “Sono molto orgoglioso dell’abito di alta moda che abbiamo creato per vestire Macarena, uno degli ultimi hotel che apriranno in questa Gran Vía che si offre in una veste nuova, più bella che mai”. Nel dettaglio, il nuovo progetto di Tomás Alía per Room Mate Hotels apre le porte sulla Gran Vía con uno spazio che fonde tradizione e materiali contemporanei.

Il Room Mate Macarena sviluppa un concetto singolare, a partire dalla reception situata al nono piano e decorata da grandi foglie ispirate alle opere dei maestri artigiani delle Fallas. Lo spazio è completato dalla grande sala colazioni, dove si può osservare il contrasto tra l’artigianato spagnolo e quello indiano, con rivestimenti curati nel dettaglio, specchi incastonati in altorilievo che avvolgono i paramenti verticali. Il design trova ultimo compimento nei pavimenti a piastrelle con motivi decorativi disegnati dallo stesso architetto. L’ispirazione arabeggiante e il gioco di cromatismi a contrasto sono presenti nel design delle camere, che unisce raffinate gelosie, teorie di maestri intarsiatori e arazzieri del Rinascimento, ma anche lavori artigianali di passamaneria che definiscono le linee delle testate dei letti con raffinata precisione.

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Zaha Hadid, il suo universo di design in un libro

24 Luglio 2020

Dedicato agli appassionati di architettura e design, edito da Taschen, un volume da non perdere: “Zaha Hadid, Complete Works 1979-Today”, by Philip Jodidio. Una monografia che raccoglie le opere e i lavori di uno dei più grandi architetti del 21 ° secolo, prima donna ad aver vinto il prestigioso premio Pritzker. Fotografie, testi, apprendimenti e disegni originali della stessa Hadid tratteggiano il suo universo poliedrico che allea architettura, arredamento e interior design.

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Per Locherber Milano è già tempo di vendemmia

17 Luglio 2020

È dedicata a un vino quasi estinto, il Clinto (o Clintòn), nato dall’incrocio di due varietà di vite americana selvatica e caratterizzato da un intenso profumo fruttato e dall’inconfondibile sapore di fragola, la nuova la fragranza d’arredo di Locherber Milano, Klìnto1817, che rievoca le gioiose atmosfere della vendemmia e inebria con un bouquet dolce e intrigante. Si schiude infatti con note fruttate (cassis, uva, ribes), seguite da sentori floreali (petali di viola, caprifoglio) e speziati (tartufo), che si evolvono in un finale dolce di legno di cedro e vaniglia.

La collezione Klìnto1817 comprende diffusori d’essenza con bacchette, diffusori d’essenza spray, Eau de Parfum, Candele profumate, placca in silicone (per auto o armadi) e sacchettino in lino con sale marino di Sicilia, decorato con bottone in madreperla (per cassetti e armadi). Il flacone in vetro dei diffusori verniciato a mano (nelle versioni da 250 ml e da 2,5 L) è arricchito dal tappo-scultura a forma di sasso, realizzato da esperti artigiani, nella versione in noce Canaletto o in Argilla.

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Michael Anastassiades
designer of the Year

16 Aprile 2020

Michael Anastassiades: oggi come allora. Nel 2007 lancia il suo brand, e la prima location in cui espone le sue nuove creazioni è Maison et Objet. Nel 2020, vi ritorna a giusto titolo, come Designer of the Year, eletto proprio dal salone parigino dell’art de vivre, dell’home decor e del design che l’ha riconosciuto quale uno dei creatori di lampade in attività tra i più prolifici e poetici. Nelle sue opere utilizza segni e volumi semplici – una sfera, una linea, un cerchio – con l’obiettivo di articolare un linguaggio ricco dove l’incertezza e lo squilibrio sono i benvenuti. La falsa semplicità delle sue creazioni è il frutto dell’amore e di un processo complesso. Secondo lui infatti, il ruolo del designer è di costruire delle relazioni e favorire l’interazione tra le persone e gli oggetti.

Conosciuto prevalentemente per le sue lampade, Michael Anastassiades, ingegnere civile specializzatosi in design industriale al Royal College of Art che ha aperto il suo studio nel 1994 e fondato il suo marchio nel 2007, ha creato oggetti per molti altri settori, tutti caratterizzati dal quel rigore e da quella semplicità essenziale che si impongono come firma distintiva del suo stile. Ha firmato mobili e arredi per B&B Italia, Herman Miller e Cassina; bicchieri a calice per Lobmeyr; altoparlanti per Bang & Olufsen; un progetto pubblico a Mint Street a Londra e una fontana per il Victoria & Albert Museum. E non è tutto. Le sue opere sono esposte nelle collezioni permanenti del Museum of Modern Art di New York, dell’Art Institute of Chicago, del Victoria & Albert Museum e del Craft Council a Londra, del MAK di Vienna e del FRAC Centre-Val de Loire a Orlèans. Ma a guidarlo nel suo percorso creativo non sono solo l’essenzialità e la purezza. Afferma infatti che “per creare una lampada, un designer deve, innanzitutto, accettare il buio”.

Secondo lui, non è necessario trasformare la notte in giorno, tanto che considera le lampade come sorgenti di calore e ciò che lo affascina maggiormente è il loro éclat. Ecco spiegato perché quando crea una lampada, tiene ben presente il fatto che resterà spenta per l’80% del tempo e riflette a lungo sulla sua rilevanza quando non è illuminata. Nella sua visione poi, una lampada non è mai un oggetto isolato, ma deve interagire con l’ambiente che la circonda. La passione del designer cipriota per le lampade e per la loro dimensione poetica inizia molto presto, ma ben consapevole che nessuna Maison l’avrebbe assunto prima di essersi fatto un nome, decide di fondare il suo brand e di occuparsi personalmente della creazione e della produzione dei suoi lavori, così da poter lasciare libero sfogo alla sua creatività senza compromessi. E quando arriva la collaborazione con Flos ha già acquisito un’esperienza significativa ed è pronto a nuove sfide. L’azienda gli lascia carta bianca per inventare, e lui può contare sull’expertise di Flos per sperimentare soluzioni tecniche a cui fino a ora non aveva avuto accesso. I suoi progetti diventano così ancora più ambiziosi. La sua ricerca quasi ossessiva dell’essenza di un oggetto si concretizza in creazioni falsamente semplici, un risultato che richiede molto lavoro. La semplicità stimola la curiosità, che a sua volta implica partecipazione e interazione. Esempio ne sia la fontana Fleet Drinking Fountain che, dissimulando la sua funzione tecnica a favore dell’estetica, si rivela un’esperienza globale piuttosto che un semplice luogo dove dissetarsi. Inoltre è convinto che ci si dovrebbe circondare di oggetti che durino a lungo e che il design non si debba inserire in una visione e brave termine. Ecco perché vuole creare che durino nel tempo e che si rivelino quindi atemporali.

A Maison et Objet, Michael Anastassiades, non esporrà semplicemente le sue opere. Proporrà infatti, un’esperienza inedita. Per la prima volta le sue sedici lampade mobili saranno riunite e nella penombra della location spinte da un motore, si muoveranno come dei pianeti. Ancora una volta Michael Anastassiades mantiene fede al suo credo e lavora con l’oscurità per conservare la magia della luce.